EDUARDO MARIO MIGNOGNA

Vuelve el tiempo a recordar la muerte de Eduardo Mignogna cuando mañana, 6 de octubre, harán nueve años de  la suya. Un recuerdo que no consigue llevar a buen término el homenaje debido a su persona con la promesa de hacer un ciclo dedicado a él y su capacidad creativa que debía, debe, deberá alguna vez, tener concreción en el ámbito del COLEGIO MAYOR ARGENTINO de la Ciudad Universitaria de Madrid. El comprometido a ello, junto conmigo, responsable supuesto de cultura de dicho colegio, parece haber olvidado tal compromiso y dejar de perseguir la solución de los necesarios contactos y supuestos permisos para poner en la pantalla y en el comentario hablado ese recuerdo. Confié en su capacidad y voluntad y confié en las razones de un centro como el referido para poder llevar a cavo ese homenaje, breve, transitorio sí, pero recuerdo al fin de un escritor y cineasta que dio bastante de su propia capacidad para narrar por escrito y en imágenes temas, costumbres, agravios y desagravios de la cultura y los hombres y mujeres argentinos y fue considerado y recompensado en todo el mundo. ¿Será alguna vez posible?
Perdona Eduardo, se ve que para estas cosas no soy muy capaz.

norberto spagnuolo di nunzio / 6/10/2015

BAJO TERAPIA:

Teatro relajante y sonriente hasta que intentan/creen darte la puntilla dramática, y que te enteres de una vez.

Uno piensa que viniendo de autor y director argentinos, la función terapéutica será más dura, técnica, agria, castigadora, en definitiva brechtiana, pero quizás el gusto desarrollado a través de las comedias situacionales de la TV, tanto de una como de otra parte cultural transoceánica, convierte al asunto, los temas, planteamientos y las resoluciones transitorias, en panorama para el divertimento sobre lo que les pasa a los otros y nos puede pasar, nos pasa, a nosotros mismos.
El autor confiesa, quizás, que todo se le ocurrió porque le obligaron a salir a correr para bajar triglicéridos, y corriendo por una ciudad pequeña pudo ver a parejas discutiendo en la sobremesa.
El texto, el montaje, deja un hilo, rastrillo que desde el principio aparece soterrado: ¿Qué le pasa a una de las protagonistas que habla poco -con lo que hablan los argentinos sicoanalizados y los personajes de las telecomedias diciendo chascarrillos- y se muestra oscura, reticente, perdida, preocupada y encima con un compañero/marido evidentemente dominante y broncas? Pues aquí está el quid de la cuestión del final aleccionador o denunciador, y que viene un poco a traspiés porque resulta que para hacerlo trascender, salir a flote, vengar, etc., la reunión reclamada por la terapeuta se compone de dos parejas compinchadas que ni siquiera son parejas, y sí -dentro de los actores- actores llamados para hacer provocar el momento revelatorio, carismático, que desentrañará, a último momento y poco acotadamente previamente, el sentido de la reunión.
Actores bien en sus roles porque están acostumbrados a trabajar en esas comedietas televisivas de discurso y réplica fácil, chascarrillosa, provocadora de risas y complicidades, cosa que resuelvan en paridad y perfectamente.
La rotura dramática se queda pues desinflada por el contenido de toda la obra, bien montada, bien escenificada, en un espacio enorme y cómplice cono el de la Sala Verde del complejo CANAL Y-II, y una escenografía suficientemente práctica, con bien distribuidos puntos de apoyo escénico en ese espacio, y una luz plana.
Lástima pues que tengamos que seguir viendo teleseries en un teatro bajo el sistema YUST-NOW, o AT HERE, o algo así.
O sea, un poco de seriedad de fines y confines le vendría mejor. Ahora, eso sí, el público adepto de compañeros y conocidos, no les faltó en la noche del sábado. El milagro de la correspondencia.

Norberto Spagnuolo. 6/09/2015

"ENTREMESES DE UNA ÈPOCA OSCURA"

O todo por el Colis, con el Octavio y otro.

(que no nos aclaran, ni pueden quizás, como será la luminosa posible etapa que debería seguirle) 

Autores: OCTAVIO COLIS y otro

Estreno y funciones: TEATRO FIGARO / MADRID

Fechas: Finales de Mayo 2015

 

Lo primero que nos duele, como espectadores es ese recinto antiguo y poco entretenido del mencionado teatro en la calle Cortezo, otrora -y mucho- cine de estreno allá por los '45 y más, dice mi esposa que lo frecuentaba. El problema es que aún mantiene la platea inclinada al revés, típica de aquel entonces, que solucionaba la buena visión encajando la pantalla alta, y la última fila trasera marcando el arranque del plano inclinado hacia arriba, para permitir mejor visión hasta el último espectador sentado allá atrás. Pero al teatro esa solución le va fatal, y ningún espectador puede terminar viendo cómodamente el escenario tapado por todas las cabezas que aparecen por delante, aparte de esa sensación de que te evacuan del asunto con ese estar cayéndote hacia dónde no está la cosa a ver, oír, sentir y admirar. 

 

O sea que, de entrada, el espectáculo se te estropea por esa visión bastarda, y además por que, dada esa solución antigua de platea al revés, no es la más adecuada para un teatro como el que nos proponen los autores con permiso del empresario, más acorde con salas más recogidas, próximas, de estar en casa. Deberían haberlo intentado en esos nuevos, y no tanto, pequeños teatros alternativos que te ceden el local a cambio de encajar tu programación y hacer cuentas. Entre otros el cercano TEATRO DE BARRIO, y tantos más del por ahí nomás.  

O sea que empezamos mal la función, y de entrada algo se nos indigesta en ese espacio no adecuado a tal obra. ¿Y cómo es, o debería haber sido, la obra? La propuesta nos habla de "un entremés", y no está mal la idea: "Pieza dramática jocosa de un solo acto (aquí no tan poco), que solía representarse entre una y otra jornada de la comedia y, primitivamente, alguna vez, en medio de una jornada"  (R.A.E. XIX edición). No tan poco aquí, porque el recorrido por la historia se devana en varios micro actos separados por cambios de decorados, atrezzos, vestimenta. Y esto tampoco ayuda mucho a concentrarse, hilvanarse y cachondearse o compadecerse, porque la historia se desconcentra, deshilvana, aún sabiendo que se estructura en cuadros/escenas/personajes. Y esto es otro problema de concentración, seguimiento, y sobre todo cambio o alargamiento de tiempos que nos distrae y baja el ritmo de atención, cuando los entremeses siempre han sido un mecanismo de aceleración y acción superpuesta, como para dejarte una imagen de cuadro múltiple que lo resume todo.

Nos parece que se ha exagerado de esos cambios de tiempo y acción acompañados por innecesarios (a nuestro entender) cambios de atrezzo sobre un "decorado único ambiental". Los personajes son varios y cambiantes, interpretados como es habitual en un entremés, pero no tanto, por los mismos actores con distinta encarnación, a lo que se suman coros de uno y otro lado que se alternan con los mismos actores para ambientar, acompañar, valorar o criticar la acción principal. No es que eso no sea posible para poder destacar una historia de la otra, pero llegado un punto confunde un poco, aunque también cabe, como sucede en la realidad, que los "coros" cambien de criterio y de comparsa y se conviertan en líderes, como sucede hacia el final de la obra arrimada a los pasados coros del 15-M y sus críticas al sistema. 

Diría que los actores están bastante adiestrados y bien dirigidos en el cometido de representar las voces múltiples que nos cuentan o ejemplifican la historia. Pero hay algunos que sobresalen por su ductilidad y saber encarnar al personaje de turno, siempre bajo una programación gestual general de exageración y empaquetamiento corporal o desmadejamiento idem. Me llamó la atención, por su parecido físico y de maquillaje, así como por su gestualidad exagerada próxima a la de los grandes cómicos de las películas mudas, uno de ellos encarnando a los personajes de postín de la debacle económica. Esa personalidad da mucha fuerza a la parte final de la obra y nos lleva al recuerdo de aquellos actores y comedias fílmicas de la compañía de Mack Sennet.  

Por otra parte, texto y acción se apoyan mucho en varios ejemplos históricos de la crítica social bajo autos sacramentales, entremeses, ferias de calle, letanías de ciegos, etc. Buena versificación acentuada hacia el chascarrillo o la poesía popular del siglo de oro y sucedáneos, donde aparecen recuerdos a los grandes versificadores de aquellas épocas. A veces estos discursos, necesariamente explicativos, críticos, mordaces, o sublimantes, se alargan demasiado, y así el tiempo también cambia de ritmo y de aparente forma escénica derivada. Podríamos por eso mismo calificarlo de tragicomedia, como aquella de Don Perlimpin, con formas que solía utilizar el gran Federico García Lorca. Pero los personajes, velados por la crítica, el disfraz, o la mofa, son bien reconocibles, aunque unos mejor que otros en definición y actuación de respaldo. Existe sí esa reiteración necesaria, supongo, de la historia de estos personajes que todos ya tenemos incorporados a la memoria reciente, y por lo tanto suenan un poco a obvio, conocido, como si quisieran aleccionarnos demasiado al respecto, o la obra hubiera sido destinada a colegiales que aún no saben del todo sobre de que va "la cosa". 

Desde luego y personalmente, esta crítica bufonesca sobre la realidad política reciente de España me hubiera gustado más en el tono de aquél "Huis Close" de Jean Paul Sartre. Y algunas voces en off, representando al pueblo, pudieran haber dicho acusativos: "NO RECUPERABLE, NO RECUPERABLE, cada vez que un personaje culposo recitara sus razones.  

Referencias autorales: Octavio Colis (no conozco a su compañero creativo), es un estupendo y crítico artista plástico, ilustrador, articulista, novelista inquisitivo ("La muerte de mi mujer"..), y no está nada mal que también practique el lenguaje teatral vario porque lo hace bastante bien, salvo lo que aquí comento. 

En cuanto qué habría hecho yo con ese montaje, que no es que sea importante pero me divierte, pues yo habría colocado, en un perenne centro de escena y sobre un mediano pedestal terrestre, a la hermosa musicalista responsable María Lafuente, vestida con el ropaje clásico de La Libertad, con su gorro frigio y busto casi al descubierto como en aquellas estatuas griegas o romanas del principio, sentada frente a su piano-órgano, y cada escena y personajes girando en torno a ella. En definitiva, La Libertad, La República, ya nos vienen vigilando desde la revolución francesa, y aquí estamos. Por algo será, pero como si no nos enteráramos...

 

Antonio di Luca

arte_qdarte@yahoo.es

4 de junio del 2015

 

EDUARDO MIGNOGNA: NO ESTA PERO SE LO RECUERDA.

Así es: 6 de octubre de 2006 Eduardo Mignogna fallece en Buenos Aires. Hace pues ocho años de su salida de pantalla, su off, su partida.
Hace al menos un año que intento hacer un homenaje en España recordando su vida y su obra, en particular su vinculación y trayectoria en este país, las razones de haberlo habitado varias veces y en distintas circunstancias, y las huellas que las mismas dejaron en su ánimo y capacidad creativa. Y también los pensamientos y acciones que en sus años de formación y experimentación contribuyeron a cimentar su capacidad narrativa en letra e imagen. Su ideario formal y sentimental, su capacidad de encontrar en hechos y personas el perfil humano y cultural.
He propuesto al COLEGIO MAYOR ARGENTINO DE MADRID la posibilidad de hacer tal homenaje en sus locales, principalmente en su Salón de Actos. La idea es conjuntar algunas de sus obras fundamentales o básicas con el comentario sobre sus andanzas en España en momentos distintos y por distintas causas, las influencias sobre su pensamiento derivadas de dichas estancias, la apertura que significó su viaje a Europa, el conocimiento de personas, etc.
Ha habido problemas hasta ahora para poder llevarlo a cabo, tiempos, obtención del material filmado en manos de productores españoles o archivos gráficos, la mejor localización de fechas, etc.
La idea inicial era hacerlo para este aniversario como recuerdo de su desaparición, ocho años de su ausencia. Por ahora seguimos postergándolo.  Llegará.

Madrid, 22 de octubre de 2014

Norberto Spagnuolo di Nunzio

SOROLLA: De sus pinturas en la Hispanic Society Museum, y de EL BALLET NACIONAL DE ESPAÑA (en la actualidad), que les baile el aire.

La verdad es que el espectáculo te hace recordar, en primer lugar y salvando distancias, aquellos que la Organización Sindical, sección Coros y Danzas, montaa en el Bernabé para festejar el 1º de mayo tiempos ha. No sé si la idea de esta recreación modernizada se le habrá ocurrido a algún dirigente/funcionario del actual Ministerio de Cultura del señor Vert, pero lo cierto es que ANTONIO NAJARRO, actual director de dicho ballet, por el que siento gran admiración, ha sabido rescatar tal propuesta de sus antecedentes “culturales”, y acercarlo un poco a las actuales vivencias e influencias de un folklore tan rico como el español, aunque se nota el peso de la particular españolidad mestizada de Andalucía, de donde proviene el propio director.

Esta supuesta o apostada influencia de Sorolla, con su serie de pinturas propiedad del museo de referencia, contribuye a adelgazar y matizar tal pensamiento “nostálgico” en relación a aquella muestra folclórica que se asomaba al NO+DO de la época para hacérnosla conocer en la Ibero América de las dictaduras populistas.

Lo primero que no nos gusta demasiado en esta recreación/reinterpretación, son esos fondos musicales mayoritarios orquestados para banda sinfónica y que no proceden de los grandes músicos españoles contemporáneos del pintor (Falla, Albéniz, Turina y demás), dedicados entonces a la fijación de una cultura musical sobre la base del folclore tradicional. Creemos que el sonido de éste espectáculo, salvando los de procedencia popular, no parece que acompañe adecuadamente, o mejore y realce, el simbolismo de los distintos bailes y danzas.

Es por eso que los mejores momentos del espectáculo llegan cuando se recurre a las verdaderas músicas populares o recreadas por modernos intérpretes y autores de esa cultura. Así vuelven a hacerse fundamentales para el éxito de esta propuesta las raíces andaluzas y de alguna otra comunidad de similar fuerza histórica.

En cuanto a la misma selección vuelve a hacerse notoria la presencia andaluza, la mayoría de cuyas piezas responden a la coreografía del director, él mismo, como dijimos, procedente de esa cultura, donde queda evidente además ese cambio de matiz más moderno y crítico, como por ejemplo en las obras ubicadas hacia el final del espectáculo: Nazarenos, Toreros, El Baile. O El Encierro, y Cosiendo la Vela, en menor y primer término.

Destacamos que, como siempre es sus espectáculos, Antonio Najarro consigue aunar grupos y principales intérpretes en un privilegiado nivel de ejecución.  Que las coreografías son rigurosas y expresivas a la par, utilizando magníficamente el espacio escénico con esas organizaciones que son del particular lenguaje expresivo y figurativo del director, habiéndolo hecho extensivo a sus colaboradores principales. Estupendos los movimientos en diagonal, cuadro, abanico y complicaciones con retomas escénicas ínter mezcladas todas ellas para aumentar la fuerza y expresividad de los bailes y danzas, donde todos los intérpretes alcanzan protagonismo y redunda la homogeneidad del conjunto.

Acertados también el marco escénico a manera de proyección sutil, vaporosa, de los cuadros mencionados del pintor, rondando el lirismo ensoñador del recuerdo. Bien iluminada la escena adecuada de coloridos reflejados en la propia vestimenta de los intérpretes, aunque esta vez en un entorno de figuración realista, más que simbólica y moderna a la que nos tiene acostumbrados el director en otras recreaciones fusionadas.

Bravo otra vez por esta nueva muestra de calidad y seriedad de la compañía dirigida por el estupendo Najarro en toda su capacidad creativa, que ha hecho extensiva generosamente al resto de la compañía. Aunque lástima por ese deje de recuerdos de un pasado expresivo propagandístico.

La prueba de todo ello, es decir de ambos extremos, es el éxito que esta obra ha merecido a lo largo de su año y más de existencia.

 

Norberto Spagnuolo

Madrid, septiembre 7 de 2014

EL LABERINTO OSCURO DE A.Z.C.A. / (Asociación Mixta de Compensación de la Manzana A de la Zona Comercial de la Avenida del Generalísimo)

Madrid, último tercio de los '60s. Acabo de ingresar al estudio de los arquitectos catalanes don Antonio Perpiñá Sebría y don Luis Iglesias Martí. Me han contratado como ayudante mientras convalido asignaturas para rematar la carrera. Acabo también de casarme, recibo quince días de vacaciones para cumplir con la luna de miel junto a mi reciente esposa madrileña. No hace más de un mes que me han contratado, y me asombra esta confianza laboral y económica con que me regalan.

En 1965 llegaba a Madrid con una beca del Instituto Argentino de Estudios Técnicos en el Extranjero (I.A.E.S.T.E), destinada en realidad a hacer prácticas pre titulación en la Empresa de Construcciones San Martín. Luego, dicha beca se alargó otro año para hacer lo mismo en Roma, Italia, en el enorme estudio ítalo americano del grupo Mc Gaufhy, Marshall y Mac Millan de Boston, con el encargo de reconstruir un hospital derribado por un reciente terremoto en la ciudad de Barce, Libia. Y ya, rápida y fácilmente, estaba de vuelta en Madrid, con empleo, casado, y dispuesto a integrarme en mi nueva "arquitectura" personal.

A finales de esos '60s me enviaron a formar parte del equipo técnico para el desarrollo del proyecto, ganador de un concurso internacional, el del Centro AZCA de Madrid. Estudio técnico formado por un grupo variopinto de personas, jóvenes arquitectos, aspirantes a serlo, delineantes, administrativos, etc. Todo concluiría con la presentación de una magna exposición en los salones de la EXCO situada en Nuevos Ministerios, y dependiente de Obras Públicas, Urbanismo y Vivienda.

La propuesta inicial de Antonio Perpiñá, arquitecto recibido en Cataluña en 1945, con una ya larga y meritoria carrera y ganador del mencionado concurso, estaba aún fresca y necesitaba de una primera cochura, aunque las bases programáticas y la localización de volúmenes, así como la estructuración urbanística estaban perfectamente determinados, con un orden matemático y espacial ordenador típico en las obras urbanas del mencionado arquitecto, que no por nada era hijo del afamado geógrafo de igual apellido.

Ahora, la alcaldesa Ana Botella parece decidida a volver a reordenar bajos, espacios, decoraciones e informaciones de centro ciudad secundario de espacio único, como fue pensado y diseñado, pero tratando de solucionar los problemas que el lento desarrollo, la mala gestión administrativa, y la voluntad limitada de los promotores terminaron por llevarlo a ese caos de comportamientos, diurno y peor nocturno ("Túneles, zonas oscuras y recovecos"), como un mal ejemplo de ciudad oscura y peligrosa, ampliando medidas de protección ambiental y limitación de algunos usos terciarios especialmente complicados, hasta llegar a acusar al ámbito dominado por ellos como de "Inseguridad subjetiva" con trascendencia "endémica".

El diseño máximo nunca fue abordado por el Plan Especial que le dio origen, se permitieron usos sin un adecuado diseño específico sobre cada una de las parcelas de reparto de la titularidad del suelo asignadas, salvo las de volumen, usos, y cierta coordinación de continuidad genérica para organizar la correspondencia espacial de esas más de 20 has. de superficie. Se generaron así muchas zonas, pasajes, enlaces y escaleras que acabaron siendo sólo de inter comunicación, sin usos controlados y controladores, oscuras, continuas, sobre todo en el frente de la calle Orense.

Es evidente que al menos este corredor bajo nivel e intermedio, longitudinal, entre la calle dicha y los grandes espacios interiores, hubiera necesitado de un Plan Especial o de Detalle, coordinador y de obligado diseño y usos concretos, para erradicar tal posibilidad.  Pero en aquellas épocas esto se dejaba al azar de cada proyecto específico, confiando en el antiguo "orden público".

Sí, hacia falta esta prometida reforma cosida con especiales medidas sobre usos y sus controles, pero lleva ya cinco años de demora, y más desde que se conocen todos los desmanes y peligros por los que uno se aventura si va por ahí, tarde y embriagado por algo, o alguien.

Terminamos los trabajos de ajuste, montamos la exposición que fue visitada por numeroso público, futuros inversores, propietarios de suelo, técnicos y personas en general. Todo ello fue apoyado por un estudio de movilidad e impacto realizado por un conocido y respetado especialista que nunca pudo ser cumplido, satisfecho, ni justificado. Ese magno espacio de multi diversidad insertado en medio de otro ha generado múltiples conflictos, en parte solucionados por ciertos cambios de uso originales (El Proyectado Palacio de la Ópera de Madrid se quedo en torre de oficinas de 50 plantas), y el acertado sistema de sótanos de servicios, aparcamientos múltiples conectados verticalmente, y calles de distribución y enlace de tráfico y cruce interior/exterior.

El arquitecto Antonio Perlina insistió en repetir el esquema en otros varios proyectos de ordenación de grandes manzanas, como por ejemplo la del antiguo Estadio Metropolitano del club Atlético de Madrid, al final de la avenida de Reina Victoria, Cuatro Caminos, donde los problemas no aparecieron evitando permitir zonas interiores de consumo y servicios, aunque sí están en la periferia, sobre todo vinculadas a la actividad universitaria y de empresas.

Yo seguí trabajando con ellos hasta finales de 1974, y siempre les estaré agradecido por sus enseñanzas técnicas y creativas, tanto en arquitectura como en urbanismo, así como por su estupenda calidad en el trato personal.

 Norberto Spagnuolo di Nunzio 

Diplomado en Ordenación del Territorio (ETSICCP)

Diseñador Urbano

Inner Architect (ETSAM/COD-DIM)

TEATRO TRIBUEÑE, y su "CASA DE BERNARDA (al) ALBA"

Como "Drama de mujeres en los pueblos de España", subtitula esta obra el propio Federico G. Lorca. El montaje que se presenta, sin embargo, parece transcurrir en una gran ciudad, quizás Sevilla, o mejor Granada, donde las bandas musicales callejeras, más propias de la primavera de Semana Santa que del verano que dice el autor, están paseando y repasando la calle con música de fondo, y quizás en demasía. A veces, tal acompañamiento encaja o viste una escena, pero en su mayoría sobra, distrae, porque otorga al drama que se cuece entre cuatro paredes otro aire más "joiso", o distraído. Todo esto confiere al montaje un aire felliniano entre marchitas dramatizadas y desgracias caricaturescas, lo que unido a ese decorado básico y permanente de santos cuasi desnudos colgados del espacio, completa el aire contradictorio entre represión y voluptuosidad contenida. Esos santos que también recuerdan la religiosidad rusa basada en "padrecitos" colgados en las paredes antes de la revolución.

Por ejemplo, uno de ellos aparece con disimulado rótulo debajo que, aunque no muy legible, sintetiza: "San Michael, y su espada vengadora", lo que evidentemente suena a otras intenciones. Son detalles que quizás adviertan, simbolicen, el espíritu de deseo que flota en la casa que, si embargo, decae en la expresividad y exhibición de las muchachas protagonistas, poco aliviadas de ropa y de expresión en gestos de referencia. 

Flota en el aire de la imaginería utilizada, tanto en el programa de mano como en el escenario, y en la composición formal del momento cumbre de algunas escenas, un aire entre renacentista y barroco que evidentemente ha servido de inspiración visual y carga atmosférica, en esas tonalidades oscuras con reflejos dorados. Baste con observar el programa, o esa exigua decoración del escenario a base de retratos de santos semidesnudos colgados con sus cuerpos en posiciones típicas del barroco o finales del renacimiento, muchos al estilo de El Greco, pero también del primerizo cubismo de Picasso, o las bañistas de Matisse. O remitirnos a las vestimentas que lucen la mayoría de las protagonistas, de buen diseño y confección, rescatadas de los modelos utilizados por las familias acomodadas del medio rural, hacia mediados y finales del siglo XIX. ¿Se subraya así la "antigüedad cultural y vivencial" de las habitantes de "la casa".

La idea de Lorca de que: "Estos tres actos tienen la intención de un documental fotográfico", parece quedar respetada y confirmada en las palabras de la dirección expuestas en el programa de mano. El autor crea ésta, su última obra, poco antes de su asesinato en 1936, dentro del grupo del llamado por él Teatro de Mujeres, en lo que podríamos incluir, por orden: "Bodas de Sangre", "Yerma", "Doña Rosita, la soltera, o el lenguaje de las flores", y ésta última que nos ocupa.

Al mismo tiempo, mientras Lorca recuerda y toma partido por la oculta vida de la mujer en un país machista, España vive el período de la 2ª República con terrible final en el alzamiento que da origen a la Guerra Civil. En ese corto período de tiempo que va del 14 de abril de 1931, y antecedentes, al 18 de julio de 1936, las mujeres españolas, básicamente urbanas, van a levantar la bandera de sus derechos como personas libres y van a luchas por llevarlas a la práctica, incluyendo el voto, la liberación sexual, el trabajo productivo, la actividad cultural, etc.

En la obra eso esta presente, de alguna manera, en los intentos rupturistas de todas la mujeres que acompañan y sufren a la Bernarda, pero que permanecen aún lastrados por la sola dedicación ansiada "al hombre", como única posibilidad escapatoria frente a la dictadura de la matriarca. Curioso es observar que Lorca define una amplia escala de edades entre sus protagonistas, como para hacer ver las variedades potenciales de la rebelión o el sometimiento. Aún así, los deseos de liberación subsisten hasta en las más longevas, como es el caso de Poncia, estupendamente encarnada por Chelo Vivares, con sus continuas contradicciones y protestas frente a la pétrea Bernarda.

La verdad es que la representación a la que nosotros, mi mujer y yo, asistimos el pasado domingo, nos dejó un poco fríos, ligeramente cansados, cosa que atribuimos al propio cansancio de las actrices luego de una sostenida acción representadora durante los inmediatos días anteriores. Y quizás porque el propio montaje juega, o cae, seducido por la dispersión, además sobrealimentada por músicas externas, folklore local, y "cuadros escénicos" cargados de referencias plásticas históricas.

La compañía Teatro Tribueñe lleva no demasiados años de sedimentación, aunque sí fructíferos, preocupada por representar el repertorio básico de los autores españoles más representativos del 98 y 27, como si quisiera insistir en las culpas históricas del pueblo y sus líderes. Aún no han querido o podido abordar un repertorio más contemporáneo, como si la Guerra Civil hubiera marcado un territorio difícil y necesario donde bucear en los comportamientos que la ocasionaron.

Por cierto, extraña un poco que, tanto en el propio programa de mano como en declaraciones similares aparecidas en diversos medios, la dirección del grupo insista en nombrar, elogiosamente, a "nuestras actrices", como encajando entre líneas, sin desearlo, que ellas no son suyas en su trabajo, que existe un hálito conductor de suprema instancia.

En definitiva, un buen espectáculo con esas contradicciones, pero sólidamente representado a pesar de ello.

 

Norberto Spagnuolo di Nunzio

(publicado en www.arteqdarte.blogspot.com)